ARTE POSTMODERNO O NEOEXPRESIONISMO: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

-Surgida tanto en Europa como en Estados Unidos, desde mediados de los años 70.
-Está enmarcado en diversos movimientos como son las transvanguardias italiana, el neoexpresionismo alemán, etc. Suelen ser obras figurativas, aunque sin rechazar el abstracto, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentado. Las artes postmodernas recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffin, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. Hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual.
-Artistas destacados: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

Geora Baselitz

Nacido el 23 de enero de 1938, es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.
Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.

Comedor de naranjas-4: 1981

Practica ya una pintura que, de alguna manera, ajusta cuentas con el pasado reciente de su país y conecta con el expresionismo alemán anterior a la llegada de los nazis al poder. Desde este punto de vista, gran parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Baselitz

HIPERREALISMO: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

-Surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del sigo XX.
-Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.
-El Hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. Don hedí, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellos brillaban los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano.
-Artistas destacados: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

Jorge Dager

Jorge Dáger refunda el concepto de la naturaleza muerta, reenfocando el objeto pictórico en este género. En efecto, en su obra, predominan los conjuntos de frutas dispuestas sobre el espacio, desde un ángulo forzado en close-up que deriva en una visualización directa y fundamental .

le fascinan las frutas. Las representa gigantescas y esplendorosas en su saludable aspecto. Parece, que les falta solo la fragancia. Su minuciosa descriptividad causó que algunos críticos hayan visto en ellas una expresión del hiperrealismo. Y probablemente, las primeras composiciones del pintor podrían sugerir este juicio.
Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante.

Fuentes: http://jorgedager.com/Noticias.html

OP ART: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

-Surge en Estados Unidos en 1958.
-El término Op- Art se acuñó por un articulo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. -Después de esto el termino se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El arte óptico se caracteriza por varios aspectos: - la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte Cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. -Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. El observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende no pretende plasmar en su obras sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
-Artistas destacados: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

Victor Vasarely

El autor que elegimos, Victor Vasarely ( Pers, 1908 – París, 1997), pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perspectivas del color y su influencia en la perspección visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perspectivo.

Cebras: 1950

Acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad: ilusiones ópticas que crea el ojo del propio espectador. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidente.

POP ART: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

-Surgió a fines de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.
-Se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como avisos publicitarios, cómic book, objetos culturales y del mundo del cine erótico. Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término “Pop Art” fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, entre otros.
-Otro criterio, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo – Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
-Es el resultado de un estilo de vida, una manifestación plástica, una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y por el consumo. Donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Es un movimiento artístico que utiliza la técnica de superposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica, etc., con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assembloges, etc.
-Podemos decir que el Pop Art se origina del dadaísmo y la poca importancia que este pone en el objeto final. Toma precisamente de este movimiento artístico, el dadaísmo, el uso del collage y del fotomontaje.
-Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y reflejan el cambio cultural.
-Artistas destacados: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

Andrew Warhola

Elegimos el autor Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de Agosto de 1928 – Nueva York, 22 de Febrero de 1987), conocido como Andy Warhola, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeño un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Pinto lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano de la publicidad o el cómic. Elimino progresivamente de sus trabajos rasgos expresionistas hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Ejemplos mas representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse – tung, así como su celebre tratamiento de las latas de sopa Cambell, todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

Lata de Sopa Campbell

Los temas pictóricos están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva o los Cigarrillos y se convierte en la iconografía del "Pop Art".
Este estilo utiliza colores puros, brillantes y fluorescentes. Además, tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone especial atención a lo que sucede en esos lugares.
Los temas del Pop Art son poco tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo.
La lata de sopa Campbell es una representación totalmente cotidiana, ya que se trataba de un tipo de producto muy frecuente en la América de los años sesenta, que casi cualquier persona podía tener en su despensa y fue uno de los motivos que más repitió Warhol. En todos ellos se transmite una sensación de irrealidad, pues parecen un tanto artificiosos, tal vez como crítica a la sociedad de consumo americana.

Fuentes: http://arte.laguia2000.com/pintura/sopa-campbell-de-andy-warhol

SURREALISMO: Duchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall y Paul Delvaux

-El surrealismo surge en 1924 en el siglo XX a partir de la teoría de sigmund froyd, en el descubrimiento del inconsciente. Fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal (sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón
-Sus temas eran: animación de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos, maquinas fantásticas, perspectivas vacías, evocación del caos, el sexo y lo erótico se trata de modo lubrico, autómatas, libertad del espíritu.
-El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de cinematografía y fotografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos in concluyentes. También se destaca como técnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadáver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándole el papel doblado.
-Sus autores: Duchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux, entre otros.

Salvador Dalí

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1° Marqués de Dalí de Púbol, nació en España el 11 de mayo de 1904–ibídem y falleció el 23 de enero de 1989, fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.[1] [2] Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas.

La persistencia de la memoria o conocido también como Los relojes blandos.

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria

DADAÍSMO: Hans Arp, Hams Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Touber, Marcel Duchamp.

-El movimiento dadaísta se desarrollo en Europa y los Estados Unidos en la segunda década del siglo XX. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorías. Durante una reunión en Suiza, en 1916, un grupo de jóvenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artístico y literario completamente subversivo. Tras la Primera Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Surich se unieron a los Dadaístas Franceses en Paris.
-Se caracterizaba por su negación del arte, su intención rupturista e innovadora, su interés por promover escándalos, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destrucción. Tiene como fin el expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos de los movimientos. Buscaba dejar impactado al público y causar controversias.
-Se utilizo el fotomontaje (combinación de textos, imágenes y fotografías recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Técnicas: lienzo al óleo, tapiz, collage, lienzo a la esencia.
-Los autores del dadaímo fueron: Hans Arp, Hams Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Touber, Marcel Duchamp.

Christian Schad

Nació el 21 de agosto de 1894 en Miesbach, Oberbayern y falleció el 25 de febrero de 1982. Fue un pintor alemán relacionado con el movimiento de la Nueva objetividad.
Schad estudió en la academia de arte de Múnich. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta. A partir de 1918, Schad desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz); Schad llamó a sus fotogramas «schadografías», en los que se imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. En 1920, pasó un año en Roma y Nápoles. En esta época desarrolló su amistad con el escritor y dadaísta Walter Serner. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años veinte, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad como Otto Dix, George Grosz, y Max Beckmann.

Si observamos el óleo con atención, podremos ver reflejadas algunas características que hacen especial esta obra: por un lado la mirada escéptica del personaje que aparece en primer plano, una mirada dirigida al espectador y a la vez a sus pensamientos más íntimos. Por otro, la camisola verde transparente que deja al descubierto su desnudez y que nos recuerda las túnicas del florentino Pontormo. Se nos oculta y se nos revela al mismo tiempo creando una tensión que contrasta con el tono de piel del personaje femenino. El hombre está sentado en el borde la cama mientras que la mujer continúa tumbada en la cama apoyada sobre unos almohadones. Desnuda con elegancia sólo muestra como única vestimenta, dos accesorios, a saber, la media roja que queda interrumpida por el borde del cuadro y un lazo negro en su mano izquierda. Su sexo queda protegido del espectador por el torso del hombre aunque su dedo índice nos indique la dirección del camino que debemos tomar.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Christian_Schad
http://vailima.blogia.com/2006/091901-christian-schad-la-nueva-objetividad.php

ARTE ABSTRACTO: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock

-Surge alrededor de 1910 en alemania, holanda y rusia.
-Tematica: la obra de arte se convierte en una relaidad autonoma sin conexion son la naturalezay, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, flores sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.
-Tecnica: el codigo de Kandisky es libre e intuitivo. Trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromatica, le importa la mancha de olor y expresion.
-Forma: el arte abstracto una un lenguaje visual de forma, color y linea para crear una composicion que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
-Pintores: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock.

Wassíly Kandinsky

Nació en Moscú,Rusia, en 1866 y falleció en Neuilly-sur-Seine en 1944. Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy

Círculos concéntricos de tamaños variables; traducen la incertidumbre de un ser hermafrodita. Intuimos una obsesión por la forma triangular, aunque a ésta se superponen esporádicamente trazos rectos.
Una red de acción-reacción que ahoga a los sujetos que se internan en ella.
El autor era esclavo de un inconsciente travieso, atraído por la volubilidad de los cuerpos que le rodeaban. Este cuadro es una pequeña escisión en su carácter frío.

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm

FUTURISMO: Filippo Tommaso Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Luigi Russolo y Gino Severini

-Surge a principios del silo XX en italia - milan.
-Los temas preferidos en pintura son la ciudad y figuras humanas en movimiento. -Pintaban caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. Ademas representaban el sonido como una suceción de ondas.
-Simulteanismo, dinamismo, divisionismo, multiplicación de lineas y detalles, movimientos, desmaterialización de los objetos y una amplia gama de colores.
-Generalmente, representaron el movimiento de personas y el rechazo al pasado y a la tradición. Ensalazaron el progreso, consideraron símbolos de la civilización a la maquinaria y la velocidad, y abogaron asi por una nueva forma de expresión artística, regida por los principios de la llamada Civilización Maquinaria.
-Los pintores fueron: Umberto Baccioni, Carlos Carra, Lugui Russolo y Gino Severini.

Filippo Tommaso Marinetti

Fundador del Futurismo.Pasó su juventud en París, donde publicó en francés sus primeras obras tras doctorarse en Letras en esta ciudad y en Jurisprudencia en Génova. En 1905 fundó en Milán la revista Poesía con la colaboración de Sem Benelli y a cuyo éxito contribuyeron Jean Cocteau, Miguel de Unamuno, William Butler Yeats y Gian Pietro Lucini entre otros. Partidario de la guerra («Queremos glorificar la guerra —única higiene del mundo...») se alistó voluntariamente en la Primera Guerra Mundial y se vinculó al fascismo en 1919, en el que participó activamente. Fue académico de Italia en 1929. En 1935 se incorpora a la guerra de Etiopía, y en 1942 lucha en la Segunda Guerra Mundial en el frente ruso. A la caída del régimen fascista en 1943, se adhirió a la República Social Italiana creada por Mussolini en septiembre de ese mismo año. Murió de un ataque cardíaco.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades.
Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Fuentes: http://enciclopedia.us.es/index.php/Filippo_Tommaso_Marinetti
http://aquileana.wordpress.com/2007/12/27/futurismo/

CUBISMO: Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris

Fue un movimiento revolucionario que se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva pretende consolidar y generalizar.
-Fue encabezado por Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris.
-Surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
-En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
-Se representan todas las partes de un objeto en un mismo.
-La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
-También el collage.
-Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

Los principales del cubismo consisten en: la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental con el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas. Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente, la descomposición de las imágenes en figuras geométricas de modo de representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas, un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra.

Pablo Picasso

No hay artista más cercano al término de modernidad, que Picasso. Creador múltiple de pinturas, esculturas y cerámicas, por 75 años. Sin duda, Picasso es el artista que representa al siglo XX.
Pablo Picasso nació de octubre el 25 de 1881 en Málaga, España. Fue un estudiante brillante. Picasso aprobó con distinción los exámenes de incorporación a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Según cuenta la historia, su padre fue uno de los pilares en el desarrollo de la obra incipiente de Picasso, incitándolo a pintar a temprana edad, debido al reconocimiento que su padre hacía a las virtudes artísticas de su hijo. El fue quien obsequió las primeras paletas y tubos de pintura.

Guernica – Mayo y Junio de 1937

El Guernica es un óleo sobre lienzo. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma).

Fuentes: http://www.wallpapers.cl/pintores/biografia_pablo_picasso.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_%28cuadro%29

FAUVISMO: André Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet.

Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color, donde un grupo de pintores buscaban la expresión siguiendo los pasos de Vang Gogh.
-El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse, y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet entre otros.
-Surge en Paris entre 1903-1904 hasta 1908.
-La técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos sin mezclar evitando matizar los colores.
-Se utilizan colores primarios, secundarios y complementarios.
-Las figuras resultan planas, lineales , encerradas en gruesas líneas de contorno
-La temática en general que se utilizaba en este movimiento eran: paisajes, naturalezas muertas, retratos , personajes en interiores , desnudos.
-Mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

André Derain

Pintor francés representante de varios movimientos artísticos de vanguardia a comienzos del siglo XX. Nació en Chatou, cerca de París, y abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la carrera artística. En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas (del francés, fieras salvajes), llamados así por los colores atrevidos e irreales que utilizaban y que resultaban bastante chocantes para los críticos de aquella época. La mayor parte de las obras de ese periodo son paisajes campestres y urbanos, como Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, Nueva York), y muestran las típicas características del fauvismo, colores puros (a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo), pinceladas irregulares, composición delirante y despreocupación por la perspectiva o la representación realista. Después de 1908 comenzó a experimentar con otros estilos. La influencia de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. Su gran obra Los bañistas (1908, Galería Narodni, Praga) supone un intento de combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne, en una síntesis global. En 1910 produjo obras geométricas, de influencia cubista como El puente viejo de Cagnes (Galería Nacional, Washington). Sus últimas obras, posteriores a 1912, muestran la influencia de muchos estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de madurez destaca Mesa de cocina (1924, Museo del Louvre, París). También hizo grabados en plancha de madera para ilustrar libros y en 1919, realizó escenografías para los ballets rusos de Sergei Diaguilev.

Puente en Londres (1906)

Creación pictórica, basada en la sencillez, en la que tratan de reflejar la realidad de forma absolutamente emocional; a fin de cuentas, los colores describen emociones. Su pintura está vinculada al mundo de los sentidos, a la percepción. Por eso un ser humano puede ser rojo y el agua de un río amarilla o las montañas rosas. El color lo es todo.

El color es plano, el espacio es plano en el cuadro, de manera que la perspectiva va a perderse en manos del color, la profundidad deja casi de existir y además no existen focos de luz que organicen la superficie pictórica. El color crea el espacio y, además, es simple y sencillo.

Fuentes: http://www.epdlp.com/pintor.php?id=231

EXPRESIONISMO: Kandinski, Munch, Rouault, Klee, Die Bruche

- El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemacia a fines del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renaciomineto, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.
Fue una reacción al impresionismo frente al naturalismo y el carácter positivista. Los expresionistas defienden un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista -la "expresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión".
- El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Movimiento artístico heterogéneo. Tenía una temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica.
El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibida (lo morboso, sexual, fantástica o pervertida, entre otras) y la deformación emocional de la realidad.
- Los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
Sus trazos exagerados y la utilización de muchos colores violentos intensifica la extracción mostrando la realidad de una forma muy personal.
- El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo moderno (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Bruche), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. 

Wassily Kandinsky

Nace el 4 diciembre 1866 y fallece el 13 diciembre 1944, Neully-sur-Seine. Pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura. Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso, centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación. Estudia la obra de Rembrandt y Monet.
A los 30 años, Kandisnky se radica en Munich para estudiar pintura, abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck, donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.

Una de sus obras fue:

Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.

Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:

• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.

La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.
Bajo la influencia de la Bauhaus, su obra adquiere una mayor estructuración compositiva y formal, constituyendo el período arquitectural. Luego experimentará con trazos circulares y concéntricos. Escribió manifiestos para la Bauhaus, y un libro “Punto y línea sobre el plano”. En 1933 fue clausurada la Bauhaus, entonces se traslada a Francia, donde continúa con su búsqueda de la abstracción, empleando los colores combinados de manera compleja, se inspira en signos geométricos.
Fuentes: http://www.swingalia.com/pintura/biografia-de-wassily-kandinsky.php

POSTIMPRESIONISMO: Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin

- Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reacción contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo. 
- Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no expresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.  
- Los postimpresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionara contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo. 
- Una de sus obras: " Campo de trigo con vuelos de cuerva", realizada con óleo sobre lienzo, fue pintada en Julio de 1890.

 En este cuadro reaparece un antiguo motivo del verano del 1887: pero esta vez el pintor, que ya no tiene esperanza, derrama en él todo el tumuito desaliento que pocos días más tarde le vencerá, llevándole al suicidio. Furiosas olas de tierra licuada se agitan bajo un cielo bajo y recargado, que arrastra dos nubes descompuestas y está llamado a hundirse y apagarse, mientras unos cuervos huyen espantados.

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. El mayor de seis hermanos, era hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés, Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus.
El pintor holandés Vincent Van Gogh es uno de los artistas más famosos y reconocidos de todos los tiempos.
Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta.
En el año 1873 se radica en la ciudad de Londres y en su regreso a Paris en 1886 crea junto a su hermano el grupo “impresionistas del sur”, con la intención de reunir a los artistas de la época.
Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos, donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet.

Una de sus obras fue:

Los Girasoles 1888

Van Gogh se levantaba temprano para pintar las flores porque cuando las daba el sol se marchitaban. En Los Girasoles hace un gran estudio de color. Hay que tener en cuenta que la gama de los amarillos es una de las más complicadas en la historia de la pintura. Es frecuente el tema de las flores en Van Gogh. Ésta es una de las obras más conocidas del autor. Se sabe que pintaba flores para decorar su estudio.Demuestra gran maestría de las texturas, así observamos unos girasoles más vigorosos y otros más marchitos. Se evidencian unas pinceladas más largas que otras para lograr los efectos

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh
http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh#Postimpresionismo
http://www.swingalia.com/pintura/biografia-y-pinturas-de-van-gogh.php

REALISMO: Corot, Courbet, Millet, Rousseau

- Se desarrolló a partir de la mitad del S XIX, aproximadamente desde 1848.
- Máximo esplendor en Francia.
- Busca representar el mundo del momento de manera verídica, objetiva e imparcial dejando de lado la idealización.
- Se deja de lado los temas sobre naturales y mágicos siendo reemplazados por temas corrientes y la representación de escenas cotidianas.
- Profundo sentido de la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella.
- Claridad en la paleta; poco trabajo de claroscuro.
Monumento a Chopin en el Jardín del Luxemburgo, París, por Henri Rousseau.

Gustave Courbet

Nacido el 10 de junio de 1819 y fallecido el 31 de diciembre de 1877, fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.
Nació en Ornans en 1819 y se trasladó a París a los veinte años de edad para estudiar derecho, pero sin embargo, se dedicó a pintar. En la capital francesa recibió su formación artística, trabajó en la Academia Suiza y copió obras del Museo del Louvre.
En un primer momento, pinta el paisaje, especialmente los bosques de Fontainebleau y retratos, con algunos rasgos románticos. Desarrolló un estilo naturalista y representó escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.

Una de sus obras:

El taller del pintor 1855

La obra es un manifiesto del Realismo. Representa su estudio de París dividiendo la escena en tres grupos. En el centro se sitúa él mismo, a la derecha, sus amigos, y a la izquierda, aquellos sus enemigos, las cosas que combatió y los pobres, los desposeídos y los perdedores.
Al fondo, aparecen dos cuadros del propio Courbet que habían enfurecido a los críticos cuando se expusieron, La vuelta de la feria y Las bañistas.
En el grupo de la izquierda figuran un chino, un judío, un veterano de la Revolución Francesa, un obrero y una irlandesa. La figura que aparece en primer término vestido de cazador es Napoleón III.
En el centro, un caballete con un gran paisaje de su tierra natal. La mujer que está de pie junto a Courbet representa la Verdad desnuda que guía el pincel del artista, deseoso de pintar cuadros que reflejen fielmente la vida.
Detrás del caballete, se aprecia la figura de un crucificado, que simboliza el arte académico, que tanto rechazó.
En la derecha del cuadro, Courbet retrató a algunos de sus amigos, el coleccionista de arte Alfred Bruyas o el socialista utópico Pierre Joseph Proudhon. La figura central del grupo es el escritor Champfleury, fundador del realismo literario, y el hombre que lee sentado en la mesa de la derecha es el poeta Charles Baudelaire.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet
http://www.arteespana.com/gustavecourbet.htm

ROMANTICISMO: Goya, Delacroix, Friedrich, Géricault

- Surge a principios del S XIX.
- Reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el clasicismo.
- Favorece la supremacía del sentimiento, la tendencia nacionalista, el liberalismo, la originalidad y creatividad frente a lo tradicional y la imitación.
- Temática: paisajes, animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista, la magia y la superstición.
- La figura pretende ser realista, no evitan mostrar el sufrimiento, la deformidad, la muerte.
- Predominó el óleo, se desarrolló la acuarela, el dibujo y el grabado.

Caspar David Friedrich:

Friedrich es un pintor alemán romántico nacido el 5 de septiembre de 1774 en Dresde, y fallecido el 7 de mayo de 1840. Fue uno de los pintores más representativos del Romanticismo (S.XIX). Como es característico de la pintura romántica, Friedrich pintó sobre todo óleos sobre lienzo. En alguna ocasión utilizó el formato del retablo y empleó el oro, a la manera de los artistas medievales. Perteneció a la primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo, sino que creaban por sí mismos para un mercado libre de galerías.
Su género preferido fue el paisaje y, dentro de él, los temas montañosos y marinos. La obra de Friedrich tiene precedentes en una larga tradición de pintores alemanes que, antes de él, pintaron paisajes «cósmicos» o «sublimes», como Durero.

Numerosas pinturas, una de ellas es:

La Cruz en las montañas 1808

Friedrich realiza numerosas pinturas de paisajes de alta montaña. En estos, árboles puntiagudos representan a las almas, mostrándonos un animismo religios. A menudo se completan con cumbres escarpadas, en cuya cima hay una cruz. Son lugares de belleza inaccesible, solitarios o con un contemplador en primer termino y de espaldas, figura que permite al espectador y de espaldas, figura que permite al espectador meterse en el cuadro. La técnica de Friedrich tiene un carácter minucioso, trabajando el cuadro en diferentes etapas. El pintor trabajaba en un taller con ventanas situadas a gran altura, que permitían la entrada de luz pero no ver el paisaje. Primero realizaba un boceto a lápiz sobre el propio lienzo, después daba una aguada para buscar los efectos de luz y finalmente realizaba un acabado en óleo donde predominan los ocres. Todas las capas están perfectamente acabadas. La tensión interior del cuadro se encuentra muy marcada.

Fuentes: http://aquileana.wordpress.com/2007/10/18/caspar-david-friedrich/
http://www.telecable.es/personales/angel1/pinrom/friedrich/cruz.html