ARTE POSTMODERNO O NEOEXPRESIONISMO: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

-Surgida tanto en Europa como en Estados Unidos, desde mediados de los años 70.
-Está enmarcado en diversos movimientos como son las transvanguardias italiana, el neoexpresionismo alemán, etc. Suelen ser obras figurativas, aunque sin rechazar el abstracto, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentado. Las artes postmodernas recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffin, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. Hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual.
-Artistas destacados: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

Geora Baselitz

Nacido el 23 de enero de 1938, es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.
Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.

Comedor de naranjas-4: 1981

Practica ya una pintura que, de alguna manera, ajusta cuentas con el pasado reciente de su país y conecta con el expresionismo alemán anterior a la llegada de los nazis al poder. Desde este punto de vista, gran parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Baselitz

HIPERREALISMO: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

-Surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del sigo XX.
-Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.
-El Hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. Don hedí, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellos brillaban los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano.
-Artistas destacados: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

Jorge Dager

Jorge Dáger refunda el concepto de la naturaleza muerta, reenfocando el objeto pictórico en este género. En efecto, en su obra, predominan los conjuntos de frutas dispuestas sobre el espacio, desde un ángulo forzado en close-up que deriva en una visualización directa y fundamental .

le fascinan las frutas. Las representa gigantescas y esplendorosas en su saludable aspecto. Parece, que les falta solo la fragancia. Su minuciosa descriptividad causó que algunos críticos hayan visto en ellas una expresión del hiperrealismo. Y probablemente, las primeras composiciones del pintor podrían sugerir este juicio.
Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante.

Fuentes: http://jorgedager.com/Noticias.html

OP ART: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

-Surge en Estados Unidos en 1958.
-El término Op- Art se acuñó por un articulo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. -Después de esto el termino se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El arte óptico se caracteriza por varios aspectos: - la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte Cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. -Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. El observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende no pretende plasmar en su obras sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
-Artistas destacados: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

Victor Vasarely

El autor que elegimos, Victor Vasarely ( Pers, 1908 – París, 1997), pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perspectivas del color y su influencia en la perspección visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perspectivo.

Cebras: 1950

Acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad: ilusiones ópticas que crea el ojo del propio espectador. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidente.

POP ART: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

-Surgió a fines de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.
-Se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como avisos publicitarios, cómic book, objetos culturales y del mundo del cine erótico. Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término “Pop Art” fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, entre otros.
-Otro criterio, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo – Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
-Es el resultado de un estilo de vida, una manifestación plástica, una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y por el consumo. Donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Es un movimiento artístico que utiliza la técnica de superposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica, etc., con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assembloges, etc.
-Podemos decir que el Pop Art se origina del dadaísmo y la poca importancia que este pone en el objeto final. Toma precisamente de este movimiento artístico, el dadaísmo, el uso del collage y del fotomontaje.
-Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y reflejan el cambio cultural.
-Artistas destacados: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

Andrew Warhola

Elegimos el autor Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de Agosto de 1928 – Nueva York, 22 de Febrero de 1987), conocido como Andy Warhola, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeño un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Pinto lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano de la publicidad o el cómic. Elimino progresivamente de sus trabajos rasgos expresionistas hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Ejemplos mas representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse – tung, así como su celebre tratamiento de las latas de sopa Cambell, todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

Lata de Sopa Campbell

Los temas pictóricos están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva o los Cigarrillos y se convierte en la iconografía del "Pop Art".
Este estilo utiliza colores puros, brillantes y fluorescentes. Además, tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone especial atención a lo que sucede en esos lugares.
Los temas del Pop Art son poco tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo.
La lata de sopa Campbell es una representación totalmente cotidiana, ya que se trataba de un tipo de producto muy frecuente en la América de los años sesenta, que casi cualquier persona podía tener en su despensa y fue uno de los motivos que más repitió Warhol. En todos ellos se transmite una sensación de irrealidad, pues parecen un tanto artificiosos, tal vez como crítica a la sociedad de consumo americana.

Fuentes: http://arte.laguia2000.com/pintura/sopa-campbell-de-andy-warhol

SURREALISMO: Duchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall y Paul Delvaux

-El surrealismo surge en 1924 en el siglo XX a partir de la teoría de sigmund froyd, en el descubrimiento del inconsciente. Fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal (sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón
-Sus temas eran: animación de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatómicos, maquinas fantásticas, perspectivas vacías, evocación del caos, el sexo y lo erótico se trata de modo lubrico, autómatas, libertad del espíritu.
-El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de cinematografía y fotografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos in concluyentes. También se destaca como técnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadáver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándole el papel doblado.
-Sus autores: Duchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux, entre otros.

Salvador Dalí

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, más conocido como Salvador Dalí, 1° Marqués de Dalí de Púbol, nació en España el 11 de mayo de 1904–ibídem y falleció el 23 de enero de 1989, fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.[1] [2] Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que «vampirizó» innovaciones ajenas.

La persistencia de la memoria o conocido también como Los relojes blandos.

En el cuadro aparece la bahía de Port Lligat al amanecer. El paisaje es simple; aparece el mar al fondo y una pequeña formación rocosa a la derecha. Hay cuatro relojes; un reloj de bolsillo y tres relojes blandos y deformados, elementos que ya habían aparecido en una obra suya del año anterior, Osificación prematura de una estación. Dalí, según él mismo dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir los relojes al cuadro, relacionándolos por su calidad de "tiernos, extravagantes, solitarios y paranoico-críticos". Uno de los relojes cuelga en equilibrio de la rama de un árbol. Más abajo, en el centro del cuadro, otro se acopla a modo de montura sobre una cara con largas pestañas inspirada en una roca del cabo de Creus. La cara aparece también en otros cuadros del autor como El gran masturbador y El enigma del deseo. El tercer reloj blando está, quizás, a punto de deslizarse por un muro. Sobre este reloj hay una mosca y sobre el reloj de bolsillo, situado sobre el muro, hay multitud de hormigas que no están ahí por casualidad.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD
http://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria

DADAÍSMO: Hans Arp, Hams Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Touber, Marcel Duchamp.

-El movimiento dadaísta se desarrollo en Europa y los Estados Unidos en la segunda década del siglo XX. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorías. Durante una reunión en Suiza, en 1916, un grupo de jóvenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artístico y literario completamente subversivo. Tras la Primera Guerra Mundial el movimiento se extendió hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Surich se unieron a los Dadaístas Franceses en Paris.
-Se caracterizaba por su negación del arte, su intención rupturista e innovadora, su interés por promover escándalos, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destrucción. Tiene como fin el expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos de los movimientos. Buscaba dejar impactado al público y causar controversias.
-Se utilizo el fotomontaje (combinación de textos, imágenes y fotografías recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Técnicas: lienzo al óleo, tapiz, collage, lienzo a la esencia.
-Los autores del dadaímo fueron: Hans Arp, Hams Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Touber, Marcel Duchamp.

Christian Schad

Nació el 21 de agosto de 1894 en Miesbach, Oberbayern y falleció el 25 de febrero de 1982. Fue un pintor alemán relacionado con el movimiento de la Nueva objetividad.
Schad estudió en la academia de arte de Múnich. En 1915, para evitar servir en la Primera guerra mundial, huyó a Suiza donde participó en el movimiento dadaísta. A partir de 1918, Schad desarrolló su propia versión del fotograma (imagen fotográfica obtenida colocando objetos sobre una superficie sensible y exponiéndolos directamente a la luz); Schad llamó a sus fotogramas «schadografías», en los que se imprimía una silueta sobre papel sensible a la luz. En 1920, pasó un año en Roma y Nápoles. En esta época desarrolló su amistad con el escritor y dadaísta Walter Serner. En 1925, emigró a Viena. Sus pinturas de este periodo están asociadas al movimiento de la Nueva objetividad. A finales de los años veinte, regresó a Berlín, donde se estableció. Aunque muchos consideran que él debió horrorizarse por el nazismo, lo cierto es que su arte no resultó condenado de la misma manera que el resto de artistas de la Nueva objetividad como Otto Dix, George Grosz, y Max Beckmann.

Si observamos el óleo con atención, podremos ver reflejadas algunas características que hacen especial esta obra: por un lado la mirada escéptica del personaje que aparece en primer plano, una mirada dirigida al espectador y a la vez a sus pensamientos más íntimos. Por otro, la camisola verde transparente que deja al descubierto su desnudez y que nos recuerda las túnicas del florentino Pontormo. Se nos oculta y se nos revela al mismo tiempo creando una tensión que contrasta con el tono de piel del personaje femenino. El hombre está sentado en el borde la cama mientras que la mujer continúa tumbada en la cama apoyada sobre unos almohadones. Desnuda con elegancia sólo muestra como única vestimenta, dos accesorios, a saber, la media roja que queda interrumpida por el borde del cuadro y un lazo negro en su mano izquierda. Su sexo queda protegido del espectador por el torso del hombre aunque su dedo índice nos indique la dirección del camino que debemos tomar.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Christian_Schad
http://vailima.blogia.com/2006/091901-christian-schad-la-nueva-objetividad.php

ARTE ABSTRACTO: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock

-Surge alrededor de 1910 en alemania, holanda y rusia.
-Tematica: la obra de arte se convierte en una relaidad autonoma sin conexion son la naturalezay, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, flores sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior.
-Tecnica: el codigo de Kandisky es libre e intuitivo. Trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromatica, le importa la mancha de olor y expresion.
-Forma: el arte abstracto una un lenguaje visual de forma, color y linea para crear una composicion que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
-Pintores: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock.

Wassíly Kandinsky

Nació en Moscú,Rusia, en 1866 y falleció en Neuilly-sur-Seine en 1944. Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.

Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy

Círculos concéntricos de tamaños variables; traducen la incertidumbre de un ser hermafrodita. Intuimos una obsesión por la forma triangular, aunque a ésta se superponen esporádicamente trazos rectos.
Una red de acción-reacción que ahoga a los sujetos que se internan en ella.
El autor era esclavo de un inconsciente travieso, atraído por la volubilidad de los cuerpos que le rodeaban. Este cuadro es una pequeña escisión en su carácter frío.

Fuentes: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/k/kandinsky.htm