ARTE POSTMODERNO O NEOEXPRESIONISMO: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

-Surgida tanto en Europa como en Estados Unidos, desde mediados de los años 70.
-Está enmarcado en diversos movimientos como son las transvanguardias italiana, el neoexpresionismo alemán, etc. Suelen ser obras figurativas, aunque sin rechazar el abstracto, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentado. Las artes postmodernas recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffin, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. Hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual.
-Artistas destacados: Geora Baselitz, Jorg Immendorff, Margarita Garcés.

Geora Baselitz

Nacido el 23 de enero de 1938, es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.
Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.
Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.

Comedor de naranjas-4: 1981

Practica ya una pintura que, de alguna manera, ajusta cuentas con el pasado reciente de su país y conecta con el expresionismo alemán anterior a la llegada de los nazis al poder. Desde este punto de vista, gran parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Baselitz

HIPERREALISMO: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

-Surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del sigo XX.
-Propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.
-El Hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. Don hedí, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellos brillaban los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano.
-Artistas destacados: Jorge Dager, Don Hedí y Susana Pomidoro.

Jorge Dager

Jorge Dáger refunda el concepto de la naturaleza muerta, reenfocando el objeto pictórico en este género. En efecto, en su obra, predominan los conjuntos de frutas dispuestas sobre el espacio, desde un ángulo forzado en close-up que deriva en una visualización directa y fundamental .

le fascinan las frutas. Las representa gigantescas y esplendorosas en su saludable aspecto. Parece, que les falta solo la fragancia. Su minuciosa descriptividad causó que algunos críticos hayan visto en ellas una expresión del hiperrealismo. Y probablemente, las primeras composiciones del pintor podrían sugerir este juicio.
Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante.

Fuentes: http://jorgedager.com/Noticias.html

OP ART: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

-Surge en Estados Unidos en 1958.
-El término Op- Art se acuñó por un articulo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. -Después de esto el termino se adoptó como el nombre oficial de este movimiento. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El arte óptico se caracteriza por varios aspectos: - la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte Cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. -Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. El observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende no pretende plasmar en su obras sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
-Artistas destacados: Victor Vasarely, Kitaoka y Bridget Riley.

Victor Vasarely

El autor que elegimos, Victor Vasarely ( Pers, 1908 – París, 1997), pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perspectivas del color y su influencia en la perspección visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perspectivo.

Cebras: 1950

Acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad: ilusiones ópticas que crea el ojo del propio espectador. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidente.

POP ART: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

-Surgió a fines de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.
-Se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como avisos publicitarios, cómic book, objetos culturales y del mundo del cine erótico. Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. El término “Pop Art” fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, entre otros.
-Otro criterio, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo – Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.
-Es el resultado de un estilo de vida, una manifestación plástica, una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y por el consumo. Donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Es un movimiento artístico que utiliza la técnica de superposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica, etc., con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assembloges, etc.
-Podemos decir que el Pop Art se origina del dadaísmo y la poca importancia que este pone en el objeto final. Toma precisamente de este movimiento artístico, el dadaísmo, el uso del collage y del fotomontaje.
-Los temas pictóricos del Pop Art están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y reflejan el cambio cultural.
-Artistas destacados: James Rosenquist, Richard Hamilton, Andy Warhol y Robert Rauschenberg.

Andrew Warhola

Elegimos el autor Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de Agosto de 1928 – Nueva York, 22 de Febrero de 1987), conocido como Andy Warhola, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeño un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.
Pinto lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano de la publicidad o el cómic. Elimino progresivamente de sus trabajos rasgos expresionistas hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.
Ejemplos mas representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse – tung, así como su celebre tratamiento de las latas de sopa Cambell, todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.

Lata de Sopa Campbell

Los temas pictóricos están motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva o los Cigarrillos y se convierte en la iconografía del "Pop Art".
Este estilo utiliza colores puros, brillantes y fluorescentes. Además, tiene como bases a las ciudades de Nueva York y Londres, por lo que pone especial atención a lo que sucede en esos lugares.
Los temas del Pop Art son poco tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público; además, las obras presentan un parecido asombroso con el modelo.
La lata de sopa Campbell es una representación totalmente cotidiana, ya que se trataba de un tipo de producto muy frecuente en la América de los años sesenta, que casi cualquier persona podía tener en su despensa y fue uno de los motivos que más repitió Warhol. En todos ellos se transmite una sensación de irrealidad, pues parecen un tanto artificiosos, tal vez como crítica a la sociedad de consumo americana.

Fuentes: http://arte.laguia2000.com/pintura/sopa-campbell-de-andy-warhol