FUTURISMO: Filippo Tommaso Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Luigi Russolo y Gino Severini

-Surge a principios del silo XX en italia - milan.
-Los temas preferidos en pintura son la ciudad y figuras humanas en movimiento. -Pintaban caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. Ademas representaban el sonido como una suceción de ondas.
-Simulteanismo, dinamismo, divisionismo, multiplicación de lineas y detalles, movimientos, desmaterialización de los objetos y una amplia gama de colores.
-Generalmente, representaron el movimiento de personas y el rechazo al pasado y a la tradición. Ensalazaron el progreso, consideraron símbolos de la civilización a la maquinaria y la velocidad, y abogaron asi por una nueva forma de expresión artística, regida por los principios de la llamada Civilización Maquinaria.
-Los pintores fueron: Umberto Baccioni, Carlos Carra, Lugui Russolo y Gino Severini.

Filippo Tommaso Marinetti

Fundador del Futurismo.Pasó su juventud en París, donde publicó en francés sus primeras obras tras doctorarse en Letras en esta ciudad y en Jurisprudencia en Génova. En 1905 fundó en Milán la revista Poesía con la colaboración de Sem Benelli y a cuyo éxito contribuyeron Jean Cocteau, Miguel de Unamuno, William Butler Yeats y Gian Pietro Lucini entre otros. Partidario de la guerra («Queremos glorificar la guerra —única higiene del mundo...») se alistó voluntariamente en la Primera Guerra Mundial y se vinculó al fascismo en 1919, en el que participó activamente. Fue académico de Italia en 1929. En 1935 se incorpora a la guerra de Etiopía, y en 1942 lucha en la Segunda Guerra Mundial en el frente ruso. A la caída del régimen fascista en 1943, se adhirió a la República Social Italiana creada por Mussolini en septiembre de ese mismo año. Murió de un ataque cardíaco.

El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades.
Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática. Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Fuentes: http://enciclopedia.us.es/index.php/Filippo_Tommaso_Marinetti
http://aquileana.wordpress.com/2007/12/27/futurismo/

CUBISMO: Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris

Fue un movimiento revolucionario que se trata de una revolución dentro del sistema que, en definitiva pretende consolidar y generalizar.
-Fue encabezado por Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris.
-Surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
-En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
-Se representan todas las partes de un objeto en un mismo.
-La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
-También el collage.
-Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

Los principales del cubismo consisten en: la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental con el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas. Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente, la descomposición de las imágenes en figuras geométricas de modo de representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas, un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra.

Pablo Picasso

No hay artista más cercano al término de modernidad, que Picasso. Creador múltiple de pinturas, esculturas y cerámicas, por 75 años. Sin duda, Picasso es el artista que representa al siglo XX.
Pablo Picasso nació de octubre el 25 de 1881 en Málaga, España. Fue un estudiante brillante. Picasso aprobó con distinción los exámenes de incorporación a la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Según cuenta la historia, su padre fue uno de los pilares en el desarrollo de la obra incipiente de Picasso, incitándolo a pintar a temprana edad, debido al reconocimiento que su padre hacía a las virtudes artísticas de su hijo. El fue quien obsequió las primeras paletas y tubos de pintura.

Guernica – Mayo y Junio de 1937

El Guernica es un óleo sobre lienzo. A pesar de su título, y de las circunstancias en que fue realizado, no hay en él ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil Española. No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simbólico. Está pintado utilizando únicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.

La estructura del cuadro es semejante a la de un tríptico, cuyo panel central está ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lámpara. Los laterales serían, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y la mujer con su hijo muerto. El del tríptico no es, sin embargo, el único principio de ordenación espacial presente en el Guernica. Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara.

En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma).

Fuentes: http://www.wallpapers.cl/pintores/biografia_pablo_picasso.php
http://es.wikipedia.org/wiki/Guernica_%28cuadro%29

FAUVISMO: André Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet.

Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color, donde un grupo de pintores buscaban la expresión siguiendo los pasos de Vang Gogh.
-El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse, y sus integrantes fueron André Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet entre otros.
-Surge en Paris entre 1903-1904 hasta 1908.
-La técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos sin mezclar evitando matizar los colores.
-Se utilizan colores primarios, secundarios y complementarios.
-Las figuras resultan planas, lineales , encerradas en gruesas líneas de contorno
-La temática en general que se utilizaba en este movimiento eran: paisajes, naturalezas muertas, retratos , personajes en interiores , desnudos.
-Mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

André Derain

Pintor francés representante de varios movimientos artísticos de vanguardia a comienzos del siglo XX. Nació en Chatou, cerca de París, y abandonó los estudios de ingeniería para dedicarse a la carrera artística. En 1905, junto con Maurice de Vlaminck y Henri Matisse, formó parte de los fauvistas (del francés, fieras salvajes), llamados así por los colores atrevidos e irreales que utilizaban y que resultaban bastante chocantes para los críticos de aquella época. La mayor parte de las obras de ese periodo son paisajes campestres y urbanos, como Puente de Londres (1906, Museo de Arte Moderno, Nueva York), y muestran las típicas características del fauvismo, colores puros (a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo), pinceladas irregulares, composición delirante y despreocupación por la perspectiva o la representación realista. Después de 1908 comenzó a experimentar con otros estilos. La influencia de Paul Cézanne le llevó a una tendencia de colorido más sosegado y a un mayor control en sus composiciones. Su gran obra Los bañistas (1908, Galería Narodni, Praga) supone un intento de combinar las innovaciones de pintores anteriores, como Claude Monet y Cézanne, en una síntesis global. En 1910 produjo obras geométricas, de influencia cubista como El puente viejo de Cagnes (Galería Nacional, Washington). Sus últimas obras, posteriores a 1912, muestran la influencia de muchos estilos diversos, desde el arte francés clásico a la escultura africana, y una tendencia cada vez mayor hacia lo tradicional, caracterizada por un cambio en el colorido y una técnica extremadamente elaborada. De esta etapa de madurez destaca Mesa de cocina (1924, Museo del Louvre, París). También hizo grabados en plancha de madera para ilustrar libros y en 1919, realizó escenografías para los ballets rusos de Sergei Diaguilev.

Puente en Londres (1906)

Creación pictórica, basada en la sencillez, en la que tratan de reflejar la realidad de forma absolutamente emocional; a fin de cuentas, los colores describen emociones. Su pintura está vinculada al mundo de los sentidos, a la percepción. Por eso un ser humano puede ser rojo y el agua de un río amarilla o las montañas rosas. El color lo es todo.

El color es plano, el espacio es plano en el cuadro, de manera que la perspectiva va a perderse en manos del color, la profundidad deja casi de existir y además no existen focos de luz que organicen la superficie pictórica. El color crea el espacio y, además, es simple y sencillo.

Fuentes: http://www.epdlp.com/pintor.php?id=231

EXPRESIONISMO: Kandinski, Munch, Rouault, Klee, Die Bruche

- El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemacia a fines del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renaciomineto, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.
Fue una reacción al impresionismo frente al naturalismo y el carácter positivista. Los expresionistas defienden un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista -la "expresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión".
- El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.
Movimiento artístico heterogéneo. Tenía una temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica.
El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibida (lo morboso, sexual, fantástica o pervertida, entre otras) y la deformación emocional de la realidad.
- Los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
Sus trazos exagerados y la utilización de muchos colores violentos intensifica la extracción mostrando la realidad de una forma muy personal.
- El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo moderno (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Bruche), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. 

Wassily Kandinsky

Nace el 4 diciembre 1866 y fallece el 13 diciembre 1944, Neully-sur-Seine. Pintor ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Realizó estudios en derecho y de dibujo y pintura. Mostró interés por la cultura primitiva y el arte popular ruso, centrándose en el arte de Volodga, profuso en ornamentación. Estudia la obra de Rembrandt y Monet.
A los 30 años, Kandisnky se radica en Munich para estudiar pintura, abandonando la docencia académica. Asiste al taller de F. Stuck, donde conoce a Paul Klee. El color atrae a Kandinsky. En el comienzo tiene influencias del postmodernismo, fauvismo y el Jugendstil alemán.
Entre 1902-1907, viajó por Francia, Túnes, Países Bajos, Italia, Rusia. Finalmente se instala en Murnau (Baviera), allí pintó la serie de paisajes alpinos entre 1908-1910. Es en ese momento que comprende la importancia cromática y la simplificación formal que focaliza su obra.

Una de sus obras fue:

Su descubrimiento lo llevó a una experimentación que terminó a fines de 1910, con la abstracción. Combinó la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial.

Entre 1910-1914, realizó una serie de pinturas, las cuales agrupó en tres categorías:

• Las impresiones, inspiradas en la naturaleza
• Las improvisaciones, que expresan las emociones interiores
• Las composiciones, conjugan lo intuitivo con el rigor compositivo.

La característica de estas obras está en la articulación de gruesas líneas negras con colores vivos. Aún mantienen cierta presencia de la realidad.
Bajo la influencia de la Bauhaus, su obra adquiere una mayor estructuración compositiva y formal, constituyendo el período arquitectural. Luego experimentará con trazos circulares y concéntricos. Escribió manifiestos para la Bauhaus, y un libro “Punto y línea sobre el plano”. En 1933 fue clausurada la Bauhaus, entonces se traslada a Francia, donde continúa con su búsqueda de la abstracción, empleando los colores combinados de manera compleja, se inspira en signos geométricos.
Fuentes: http://www.swingalia.com/pintura/biografia-de-wassily-kandinsky.php

POSTIMPRESIONISMO: Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin

- Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Surge entre 1880 y 1905 aproximadamente, como una reacción contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo. 
- Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no expresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.  
- Los postimpresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionara contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo. 
- Una de sus obras: " Campo de trigo con vuelos de cuerva", realizada con óleo sobre lienzo, fue pintada en Julio de 1890.

 En este cuadro reaparece un antiguo motivo del verano del 1887: pero esta vez el pintor, que ya no tiene esperanza, derrama en él todo el tumuito desaliento que pocos días más tarde le vencerá, llevándole al suicidio. Furiosas olas de tierra licuada se agitan bajo un cielo bajo y recargado, que arrastra dos nubes descompuestas y está llamado a hundirse y apagarse, mientras unos cuervos huyen espantados.

Vincent van Gogh

Vincent van Gogh nació en Zundert Brabante Septentrional, el 30 de marzo de 1853. El mayor de seis hermanos, era hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés, Theodorus van Gogh, y de Anna Cornelia Carbentus.
El pintor holandés Vincent Van Gogh es uno de los artistas más famosos y reconocidos de todos los tiempos.
Durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular, sus padres le enviaron a diversos internados, el primero en Zevenbergen el año 1864 y más tarde en 1866 a Tilburg. Dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años. Aunque no fue buen estudiante, allí empezó a aficionarse a la pintura. Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta.
En el año 1873 se radica en la ciudad de Londres y en su regreso a Paris en 1886 crea junto a su hermano el grupo “impresionistas del sur”, con la intención de reunir a los artistas de la época.
Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos, donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet.

Una de sus obras fue:

Los Girasoles 1888

Van Gogh se levantaba temprano para pintar las flores porque cuando las daba el sol se marchitaban. En Los Girasoles hace un gran estudio de color. Hay que tener en cuenta que la gama de los amarillos es una de las más complicadas en la historia de la pintura. Es frecuente el tema de las flores en Van Gogh. Ésta es una de las obras más conocidas del autor. Se sabe que pintaba flores para decorar su estudio.Demuestra gran maestría de las texturas, así observamos unos girasoles más vigorosos y otros más marchitos. Se evidencian unas pinceladas más largas que otras para lograr los efectos

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh
http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh#Postimpresionismo
http://www.swingalia.com/pintura/biografia-y-pinturas-de-van-gogh.php

REALISMO: Corot, Courbet, Millet, Rousseau

- Se desarrolló a partir de la mitad del S XIX, aproximadamente desde 1848.
- Máximo esplendor en Francia.
- Busca representar el mundo del momento de manera verídica, objetiva e imparcial dejando de lado la idealización.
- Se deja de lado los temas sobre naturales y mágicos siendo reemplazados por temas corrientes y la representación de escenas cotidianas.
- Profundo sentido de la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella.
- Claridad en la paleta; poco trabajo de claroscuro.
Monumento a Chopin en el Jardín del Luxemburgo, París, por Henri Rousseau.

Gustave Courbet

Nacido el 10 de junio de 1819 y fallecido el 31 de diciembre de 1877, fue un pintor francés, fundador y máximo representante del realismo, y comprometido activista democrático.
Nació en Ornans en 1819 y se trasladó a París a los veinte años de edad para estudiar derecho, pero sin embargo, se dedicó a pintar. En la capital francesa recibió su formación artística, trabajó en la Academia Suiza y copió obras del Museo del Louvre.
En un primer momento, pinta el paisaje, especialmente los bosques de Fontainebleau y retratos, con algunos rasgos románticos. Desarrolló un estilo naturalista y representó escenas de la vida cotidiana, retratos, desnudos o paisajes.

Una de sus obras:

El taller del pintor 1855

La obra es un manifiesto del Realismo. Representa su estudio de París dividiendo la escena en tres grupos. En el centro se sitúa él mismo, a la derecha, sus amigos, y a la izquierda, aquellos sus enemigos, las cosas que combatió y los pobres, los desposeídos y los perdedores.
Al fondo, aparecen dos cuadros del propio Courbet que habían enfurecido a los críticos cuando se expusieron, La vuelta de la feria y Las bañistas.
En el grupo de la izquierda figuran un chino, un judío, un veterano de la Revolución Francesa, un obrero y una irlandesa. La figura que aparece en primer término vestido de cazador es Napoleón III.
En el centro, un caballete con un gran paisaje de su tierra natal. La mujer que está de pie junto a Courbet representa la Verdad desnuda que guía el pincel del artista, deseoso de pintar cuadros que reflejen fielmente la vida.
Detrás del caballete, se aprecia la figura de un crucificado, que simboliza el arte académico, que tanto rechazó.
En la derecha del cuadro, Courbet retrató a algunos de sus amigos, el coleccionista de arte Alfred Bruyas o el socialista utópico Pierre Joseph Proudhon. La figura central del grupo es el escritor Champfleury, fundador del realismo literario, y el hombre que lee sentado en la mesa de la derecha es el poeta Charles Baudelaire.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Courbet
http://www.arteespana.com/gustavecourbet.htm

ROMANTICISMO: Goya, Delacroix, Friedrich, Géricault

- Surge a principios del S XIX.
- Reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el clasicismo.
- Favorece la supremacía del sentimiento, la tendencia nacionalista, el liberalismo, la originalidad y creatividad frente a lo tradicional y la imitación.
- Temática: paisajes, animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista, la magia y la superstición.
- La figura pretende ser realista, no evitan mostrar el sufrimiento, la deformidad, la muerte.
- Predominó el óleo, se desarrolló la acuarela, el dibujo y el grabado.

Caspar David Friedrich:

Friedrich es un pintor alemán romántico nacido el 5 de septiembre de 1774 en Dresde, y fallecido el 7 de mayo de 1840. Fue uno de los pintores más representativos del Romanticismo (S.XIX). Como es característico de la pintura romántica, Friedrich pintó sobre todo óleos sobre lienzo. En alguna ocasión utilizó el formato del retablo y empleó el oro, a la manera de los artistas medievales. Perteneció a la primera generación de artistas libres, que no pintaban por encargo, sino que creaban por sí mismos para un mercado libre de galerías.
Su género preferido fue el paisaje y, dentro de él, los temas montañosos y marinos. La obra de Friedrich tiene precedentes en una larga tradición de pintores alemanes que, antes de él, pintaron paisajes «cósmicos» o «sublimes», como Durero.

Numerosas pinturas, una de ellas es:

La Cruz en las montañas 1808

Friedrich realiza numerosas pinturas de paisajes de alta montaña. En estos, árboles puntiagudos representan a las almas, mostrándonos un animismo religios. A menudo se completan con cumbres escarpadas, en cuya cima hay una cruz. Son lugares de belleza inaccesible, solitarios o con un contemplador en primer termino y de espaldas, figura que permite al espectador y de espaldas, figura que permite al espectador meterse en el cuadro. La técnica de Friedrich tiene un carácter minucioso, trabajando el cuadro en diferentes etapas. El pintor trabajaba en un taller con ventanas situadas a gran altura, que permitían la entrada de luz pero no ver el paisaje. Primero realizaba un boceto a lápiz sobre el propio lienzo, después daba una aguada para buscar los efectos de luz y finalmente realizaba un acabado en óleo donde predominan los ocres. Todas las capas están perfectamente acabadas. La tensión interior del cuadro se encuentra muy marcada.

Fuentes: http://aquileana.wordpress.com/2007/10/18/caspar-david-friedrich/
http://www.telecable.es/personales/angel1/pinrom/friedrich/cruz.html